Oavsett om du har vandrat genom Guggenheim-museets stigande rotunda och undrat vad som krävs för att få konst på (avrundade) väggarna eller om du funderar på en karriär inom konsten, leta inte längre.
Vi fick Nancy Spector, biträdande chef och Jennifer och David Stockman Chief Curator på Guggenheim-museet för att höra från en ledare på området och för att få en glimt av den balansräkning som krävs för att vara i spetsen för en av världens mest prestigefyllda moderna konstmuseer. Spector delade generöst sina insikter om konst i den digitala tidsåldern och började i branschen som praktikant (författarens anmärkning: det gjorde jag också) och det första konstverket som påverkade henne.
Kan du beskriva vad det är att vara biträdande direktör och chefen för ett konstmuseum i världsklass?
Med några få ord skulle jag säga att det är en intensiv balansåtgärd. Som biträdande direktör som arbetar nära med direktören Richard Armstrong, är jag ansvarig för innehållsutveckling på Guggenheim i New York men också hos våra dotterbolag i Bilbao, Venedig och Abu Dhabi (som för närvarande håller på att utvecklas). Jag tänker på institutionen i ett globalt sammanhang och vad det betyder för vår programmering, vår samling och vårt engagemang i kulturer runt om i världen.
Sedan finns det mer detaljerad hantering av vår utställningskalender, som arbetar med individuella kuratorer för att bäst förverkliga sina program, säkerställa att vi stannar på uppdrag, producerar nytt stipendium och innovationer i förgrunden. Vi är alla insamlare på museet, så mycket av min tid ägnas också åt att odla beskyddare, hjälpa till att identifiera enskilda givare och sponsorer och formulera initiativ som kan locka till stöd. Som kurator har jag också egna utställningsprojekt att forska och producera, vilket alltid har varit kärnan i min praxis.
Hur ser en typisk dag ut på ditt kontor ut?
Jag tror inte att jag någonsin har en "typisk" dag att citera. Jag kan vara i back-to-back-möten med andra kuratorer, avdelningschefer, styrelseledamöter eller gäster. Ämnen sträcker sig från programmeringsdiskussioner, kalender- och budgetgranskningar, strategisk planering, förberedelser av förvärv, insamlingshanteringspolicy och installationsgranskningar, för att nämna några. Men jag kan också vara på biblioteket eller skriva en stor del av dagen. Sedan finns det galleri och studiobesök, för vilka jag försöker reservera tid.
Hur balanserar du forsknings- och utställningsdelen av att vara kurator med de administrativa uppgifterna att driva en kulturinstitution; hur bär du båda hattarna?
Jag försöker blockera tid för forskning, läsa och skriva i förväg på min kalender så att jag har dagar utan möten. Men för att vara ärlig, så görs mycket av det kreativa arbetet "efter timmar", om det finns något sådant längre.
Maurizio Cattelan: All, Solomon R. Guggenheim Museum, 4 november 2011 - 22 januari 2012. David Heald © Solomon R. Guggenheim Foundation
Kan du prata lite om att samla utställningar i Frank Lloyd Wright-byggnaden, en konstnärs uttalande i sig själv?
Guggenheims excentriska arkitektur erbjuder en av de mest härliga platserna att titta på konst på. Det är uppenbart att jag är partisk, har arbetat där i så många år, men kombinationen av att kunna se ett konstverk både på ett intimt sätt - stående precis framför det i en av våra vikar - och titta på det över vattnet rotunda, är en enkel upplevelse. Som kurator måste du ta hänsyn till denna rumsliga verklighet när du planerar en installation. Vi tenderar alla att tänka linjärt, hur en sak läser bredvid en annan, men på Guggenheim måste du också tänka på hur arbetet kommer att läsas vertikalt, hur det staplas upp när man ser det som är ovan och under det på ramperna .
Mina mest minnesvärda utställningsprojekt har varit de som involverar samtida konstnärer som svarar på byggnaden på fantastiska, enastående sätt. Matthew Barney införlivade byggnaden som en karaktär i sin film Cremaster 3 ; han filmade en hel drömssekvens där han skalade inredningen. Dessa bilder blev då bokstavligen mittpunkten i en installation med skulptur, video och fotografering, som sammanfattade hela den femdelade Cremaster-cykeln. För utställningen som jag kuraterade med Tino Sehgal lämnade vi rotunden helt tomma som bakgrund för hans konversationsbaserade arbete, denna framsteg, där besökare deltog i diskussioner med fyra generationer av konstnärstränade ”tolkar” när de gick upp på rampen . Och Maurizio Cattelan, i en provocerande, självförseglande gest, upphävde allt verk han någonsin producerat från museets takfönster i en ironisk kommentar om den totala naturen av retrospektiva utställningar.
Vad var ditt första jobb i konstvärlden?
Efter att jag fick min magisterexamen gjorde jag en praktik på Guggenheim, vilket, lyckosamt för mig, blev ett riktigt jobb. Jag anställdes som kuratorassistent, och annat än en kort bit bort har jag varit på museet sedan dess.
Vilka råd skulle du ge till ungdomar som är intresserade av en karriär inom konsten?
Jag råder alltid att få minst en magisterexamen i antingen konsthistoria eller kulturteori. Det verkar allt viktigare att göra praktikplatser; du behöver nästan praktikplatser för att få praktikplatser i dag; men praktisk erfarenhet är verkligen viktigt.
Förutom det praktiska och det teoretiska föreslår jag att jag hittar en mentor som kan hjälpa till att navigera i olika världsområden. Det finns olika vägar om du vill arbeta i ett museum eller ett galleri eller ett auktionshus eller starta ditt eget alternativa utrymme eller hitta en dagbok.
Matthew Barney: CREMASTER Cycle, Solomon R. Guggenheim Museum, 21 februari 2002 - 11 juni 2003. David Heald © Solomon R. Guggenheim Foundation
Tror du att man kan lära sig kuratering (i samband med de många kuratoriska forskarutbildningarna)?
Jag hade en traditionell konsthistoriautbildning och lärde mig att jobba på jobbet, så det är svårt för mig att säga. Jag tror att utövandet av att formulera och kommunicera en utställningsuppsats kan läras, men installationskompetens och exekvering av en konstnärs vision kan bara fästas av erfarenhet.
Det är ett ordspråk att New York har förändrats så mycket i en generation, från 57th Street till Soho till Chelsea till var vi än befinner oss med dussintals internationella bienaler och konst erfaren online. Vad tror du har förändrats till det bättre? Vad har förändrats till det värre?
Att konst har blivit en "livsstil" med så många rika människor som försöker montera trofésamlingar och konstmässor som blir festdestinationer kan inte vara bra. Det är inte bra för konstnärer som tvingas ständigt göra "produkt" för att upprätthålla alla dessa mässor, som ger en sned plats för visning av deras verk. Färre och färre ser konstnärernas galleriutställningar, där de kan presentera en mängd verk som ger ett specifikt argument. Istället möter de den isolerade biten i en monter på en mässa. Trots detta innebär detta ökade intresse högre närvaro på museer, vilket hjälper till att stödja den icke-vinstdrivande sidan av ekvationen.
Jag tror att utvidgningen av vår digitala kultur erbjuder en positiv och lovande förändring i hur människor skapar, distribuerar och konsumerar visuell kultur. Jag stöder inte nödvändigtvis "internetkonst", utan hur konstnärer använder olika onlineplattformar för att nå nya målgrupper. Till exempel samarbetade Guggenheim med Google för några år tillbaka för att lansera ett prisutdelningsprogram som kände igen kreativa videor på YouTube. Det var ett radikalt experiment för oss, men vi tror att YouTube (och även Vimeo och nu Vine) erbjuder unga eller nya talanger verktygen för att göra och distribuera arbete på sätt som aldrig fanns tillgängliga förut. Det finns visserligen lite eller inget filter, men det är vad vi tillhandahöll.
Matthew Barney: CREMASTER Cycle, Solomon R. Guggenheim Museum, 21 februari 2002 - 11 juni 2003. David Heald © Solomon R. Guggenheim Foundation
Vad är det första konstverket som hade en varaktig inverkan på dig?
Tja, mina föräldrar hade en fax av en Jackson Pollock-droppmålning i vardagsrummet, så jag blev utsatt för abstraktion i en riktigt ung ålder. Den verkliga vändpunkten för mig var Joseph Beuys-utställningen på Guggenheim, som jag såg när jag var på college, utan att veta någonting om konstnären (eller samtidskonst i allmänhet, eftersom jag var en dans- och filosofiord). Installationen, som var berättande och fantastisk, slog mig som akut på något sätt och jag ville veta mer.
Vad är den sista utställningen som verkligen upphetsade dig?
Det är en kombination av Pierre Huyghes senaste retrospektiv i Georges Pompidou-centret och Philippe Parrenos undersökning i Palais de Tokyo, båda i Paris. Båda visar animerade sina miljöer med ljud, ljus, tid och berättelser på verkligt unika sätt. Pierre använde levande element - en hund och klädd artister - som en del av installationen. Det var den första utställningen jag har mött som tittade på mig när jag tittade på den.
